Εμφάνιση αναρτήσεων με ετικέτα Al Di Meola. Εμφάνιση όλων των αναρτήσεων

Από τους Santana και τους Return to Forever μέχρι τον Al Di Meola, ο Mingo Lewis υπήρξε ένας από τους πιο επιδραστικούς κρουστούς της σύγχρονης μουσικής.

Ο Mingo Lewis υπήρξε μια από τις πιο ξεχωριστές μορφές της αμερικανικής jazz‑rock και fusion σκηνής. Γεννημένος στη Νέα Υόρκη το 1953, μεγάλωσε σε ένα περιβάλλον όπου η jazz, η latin και η soul συνυπήρχαν καθημερινά. Η φυσική του κλίση στα κρουστά τον οδήγησε από πολύ μικρή ηλικία σε επαγγελματικές συνεργασίες, ενώ στα 17 του χρόνια βρέθηκε να παίζει δίπλα στον Carlos Santana, συμβάλλοντας καθοριστικά στη μετάβαση του συγκροτήματος σε έναν πιο πνευματικό, πολυρυθμικό ήχο.

Η συμμετοχή του στα άλμπουμ Caravanserai (1972) και Welcome (1973) θεωρείται κομβική, καθώς ο Lewis έφερε afro‑cuban στοιχεία, περίπλοκα patterns και μια ενέργεια που άλλαξε τον χαρακτήρα των Santana. Λίγο αργότερα, ο Chick Corea τον ενέταξε στους Return to Forever, όπου συμμετείχε στο ιστορικό άλμπουμ Hymn of the Seventh Galaxy (1973), ένα από τα θεμέλια του fusion.

Η συνεργασία του με τον Al Di Meola υπήρξε εξίσου σημαντική. Ο Lewis συμμετείχε στα πρώτα πέντε άλμπουμ του κιθαρίστα, συνεισφέροντας όχι μόνο ως percussionist αλλά και ως συνθέτης, με κομμάτια όπως “The Wizard”, “Flight Over Rio” και “Chasin’ the Voodoo” να θεωρούνται πλέον κλασικά του είδους.

Παράλληλα, ο Lewis συνεργάστηκε με καλλιτέχνες όπως οι The Tubes και οι Third World. Στη διάρκεια της πορείας του, ο Mingo Lewis βρέθηκε σε στούντιο και live περιβάλλοντα δίπλα σε καλλιτέχνες όπως οι Miles Davis, Todd Rundgren και Billy Joel, μέσα από ανεπίσημα sessions και συνεργασίες της εποχής, χωρίς όμως να υπάρχουν επίσημες δισκογραφικές κυκλοφορίες που να τεκμηριώνουν αυτές τις συναντήσεις. Το προσωπικό του άλμπουμ Flight Never Ending (1976) αποτελεί μια από τις πιο ολοκληρωμένες εκφράσεις της μουσικής του ταυτότητας.

Ο Mingo Lewis έφυγε από τη ζωή στις 31 Ιανουαρίου 2026, αφήνοντας πίσω του μια τεράστια κληρονομιά. Η συμβολή του στο fusion, η τεχνική του αρτιότητα και η ικανότητά του να γεφυρώνει μουσικούς κόσμους τον καθιστούν μια από τις πιο υποτιμημένες αλλά ουσιαστικές μορφές της σύγχρονης μουσικής.

Ο Mingo Lewis γεννήθηκε σε μια οικογένεια μουσικών στη Νέα Υόρκη και από μικρή ηλικία βρέθηκε σε περιβάλλον όπου σύχναζαν σημαντικές μορφές της jazz, γεγονός που επηρέασε βαθιά την καλλιτεχνική του πορεία. Η συνεργασία του με τους Santana τον καθιέρωσε ως έναν από τους πιο καινοτόμους percussionists της εποχής, ενώ η συμμετοχή του στους Return to Forever τον έφερε στο επίκεντρο της fusion επανάστασης των ’70s. Με τον Al Di Meola ανέπτυξε μια δημιουργική σχέση που οδήγησε σε μερικές από τις πιο τεχνικά απαιτητικές και μουσικά πλούσιες ηχογραφήσεις του κιθαρίστα. Παράλληλα, η προσωπική του δουλειά στο Flight Never Ending ανέδειξε την ικανότητά του να συνδυάζει latin, jazz και progressive στοιχεία σε ένα ενιαίο ύφος. Η καριέρα του περιλαμβάνει πάνω από εκατό συμμετοχές σε άλμπουμ και live ηχογραφήσεις, ενώ η επιρροή του παραμένει εμφανής σε percussionists και fusion μουσικούς που συνεχίζουν να μελετούν το έργο του.

Salsa De Berkeley feat. Mingo Lewis – Live at the Record Plant (1974)

Λίγα λόγια για την ηχογράφηση

Η συγκεκριμένη ηχογράφηση προέρχεται από το ιστορικό ραδιοφωνικό πρόγραμμα KSAN – “Live at the Record Plant”, ένα από τα σημαντικότερα live sessions της δεκαετίας του ’70 στη Βόρεια Καλιφόρνια. Στις 26 Σεπτεμβρίου 1974, οι Salsa De Berkeley, μια ανερχόμενη τότε latin‑fusion μπάντα της Bay Area, κατέγραψαν ένα από τα πιο δυναμικά και αντιπροσωπευτικά live τους.

Η σκηνή του Σαν Φρανσίσκο εκείνη την εποχή ήταν ήδη γεμάτη από latin, funk και afro‑cuban επιρροές, με συγκροτήματα όπως οι Santana, Azteca και Malo να έχουν ανοίξει τον δρόμο. Οι Salsa De Berkeley ανήκαν στη νεότερη γενιά μουσικών που συνέδεαν την παραδοσιακή salsa με rock, jazz και street‑percussion κουλτούρα.

Σε αυτό το live συμμετέχει ως special guest ο Mingo Lewis, ο οποίος εκείνη την περίοδο είχε ήδη παίξει με Santana και Return to Forever. Η παρουσία του δίνει στο σετ μια επιπλέον ένταση: congas, bongos και πολυρυθμικά breaks που ανεβάζουν την μπάντα σε άλλο επίπεδο. Το session χαρακτηρίζεται από υψηλή ενέργεια και αδιάκοπη ροή, με το πρώτο μισό να λειτουργεί σαν μουσικό ταξίδι στη Νότια Αμερική και το δεύτερο να στρέφεται σε πιο σύγχρονα στοιχεία, όπως η διασκευή στο “Bird of Beauty” του Stevie Wonder.

Η ηχογράφηση θεωρείται από τις καλύτερες που υπάρχουν για τους Salsa De Berkeley, με έντονη αυτοσχεδιαστική διάθεση και εξαιρετική χημεία ανάμεσα στους μουσικούς. Η συμμετοχή του Mingo Lewis προσθέτει ιστορική αξία, καθώς τον ακούμε σε μια περίοδο όπου διαμόρφωνε το προσωπικό του fusion ύφος.

🎙️ Ακούς το Travellers Radio – ένα blog που αγαπά τον ήχο όσο και τις λέξεις. Για όσο ροκ αντέχεις ακόμα.

Αν ψάξει κανείς στο διαδίκτυο τον όρο «rock supergroup», θα βρει ονόματα όπως οι Cream, Blind Faith, Crosby, Stills, Nash & Young, και πιθανότατα θα δει ότι ο όρος ίσως προέρχεται από το άλμπουμ Super Session των Al Kooper, Mike Bloomfield και Stephen Stills.

Αν περιορίσεις την αναζήτηση σε «progressive rock supergroup», εμφανίζονται πρώτοι οι Emerson, Lake & Palmer, και μετά άλλες σημαντικές μπάντες όπως οι Matching Mole, National Health, 801 και UK. Για δοκιμή, ο συγγραφέας πρόσθεσε και τους όρους jazz, space και psychedelic πριν από το rock supergroup — αλλά υπήρχε μία μπάντα που έπρεπε να εμφανίζεται σε όλες αυτές τις κατηγορίες και όμως έλειπε σταθερά. Καμία από τις γνωστές μπάντες που αναφέρονται δεν είχε την ίδια γεωγραφική και μουσική ποικιλία στα μέλη της. Αυτή είναι η ιστορία των Go, ενός από τα πιο εντυπωσιακά αλλά παραγνωρισμένα supergroups, που το 1976 κυκλοφόρησαν ένα στούντιο άλμπουμ και ένα live αριστούργημα της δεκαετίας του ’70.

Όπως συμβαίνει με πολλά supergroups, η ιστορία των Go ήταν σύντομη. Μια τέτοια σύμπραξη ταλαντούχων μουσικών από διαφορετικά μέρη του κόσμου, ο καθένας με φορτωμένο πρόγραμμα, μπορεί να υπάρξει μόνο όταν «ευθυγραμμιστούν τα άστρα» και δημιουργηθεί ένα μικρό παράθυρο χρόνου. Οι περισσότεροι από τους μουσικούς βρίσκονταν τότε σε μεταβατική φάση, και μέσα σε περίπου έναν χρόνο δημιούργησαν εξαιρετική μουσική. Μια μπάντα με πρώην μέλη των Blind Faith, Traffic, Santana, Tangerine Dream και Return to Forever θα μπορούσε εύκολα να διαλυθεί από εγωισμούς και καλλιτεχνικές διαφορές — όμως η κοινή επιθυμία για ένα νέο μουσικό πείραμα γέννησε έναν ήχο που όντως μοιάζει με υβρίδιο όλων αυτών των συγκροτημάτων. Μετά το στούντιο άλμπουμ, οι Go κορυφώθηκαν σε μια σύντομη περιοδεία το 1976, η οποία έδωσε ένα από τα καλύτερα live άλμπουμ της εποχής: το Go Live From Paris.

Το εντυπωσιακό είναι ότι η μπάντα ήταν ιδέα του λιγότερο γνωστού μέλους της: του πολυοργανίστα και συνθέτη Stomu Yamashta. Στις αρχές της δεκαετίας του ’70, ο Yamashta εξερευνούσε την avant‑garde και τη σύγχρονη κλασική μουσική, παίζοντας έργα των Toru Takemitsu και Hans Werner Henze. Μια τυχαία συνάντηση το 1970 με τον ντράμερ Morris Pert τον έστρεψε παράλληλα προς τη jazz και το rock. Μπήκε στο συγκρότημα του Pert, Come to the Edge. Το κομμάτι One Way από το άλμπουμ Floating Music δείχνει την ικανότητά του να δημιουργεί ατμόσφαιρες. Το 1972 ασχολήθηκε με κινηματογραφική μουσική, ξεκινώντας με το Images του Robert Altman, σε μουσική του John Williams πριν γίνει διάσημος. Το soundtrack προτάθηκε για Όσκαρ, εν μέρει χάρη στους ατονικούς ήχους που πρόσθεσε ο Yamashta. Ένα χρόνο αργότερα δημιούργησε τους East Wind με τον Brian Gascoigne και τον θρυλικό μπασίστα Hugh Hopper. Κυκλοφόρησαν δύο άλμπουμ, ανάμεσά τους το Freedom Is Frightening με το υπέροχο Wind Words. Το 1976, ο Nicolas Roeg χρησιμοποίησε τα One Way και Wind Words στην ταινία The Man Who Fell to Earth με τον David Bowie.

Η ιστορία των Go συνεχίζεται με τον Michael Shrieve, του οποίου η πρώιμη καριέρα υπήρξε από τις πιο εντυπωσιακές που μπορεί να έχει ντράμερ σε rock μπάντα. Ως ιδρυτικό μέλος των Santana, προερχόμενος από την ψυχεδελική σκηνή του Σαν Φρανσίσκο, ο Shrieve έχει μείνει για πάντα στη μνήμη των φίλων της κλασικής rock χάρη στο θρυλικό drum solo του στο Soul Sacrifice στο Woodstock.

Την ίδια περίοδο που ο Yamashta άρχισε να στρέφεται προς τη jazz‑rock, ο Shrieve είχε ήδη «κολλήσει το μικρόβιο». Μαζί με τον Carlos Santana οδήγησαν τη μπάντα σε ήχους επηρεασμένους από John Coltrane και Miles Davis. Το Caravanserai θεωρείται κορυφαίο δείγμα αυτής της περιόδου, με το επικό Every Step of the Way. Η jazz επιρροή έγινε ακόμη πιο έντονη στα επόμενα άλμπουμ, με συμμετοχές μουσικών όπως Airto Moreira, Flora Purim, Joe Farrell, Stanley Clarke και φυσικά John McLaughlin, με τον οποίο ο Santana ηχογράφησε το Love, Devotion and Surrender. Από το 1969 έως το 1974 οι Santana κυκλοφόρησαν έξι στούντιο άλμπουμ, live ηχογραφήσεις και παράλληλα projects — όλα χαρακτηριστικά παραδείγματα του κράματος rock, latin και jazz. Ωστόσο, η ασταμάτητη περιοδεία εξάντλησε τον Shrieve και μετά την περιοδεία του Borbolleta (1974) αποχώρησε από τη μπάντα.

Ο Shrieve είχε ήδη εντυπωσιαστεί από τη μουσική του Yamashta: Περιγράφει πώς είδε έναν δίσκο του με εξώφυλλο που άνοιγε και αποκάλυπτε έναν «ημικύκλιο από κρουστά», με τον Yamashta να πηδά στον αέρα με ένα μπαγκέτο στο στόμα. Η εικόνα αυτή τον σημάδεψε. Ένα άλλο έργο, το Prison Song του Henze, τον συγκλόνισε τόσο που ξύπνησε μέσα στη νύχτα από την ένταση της μουσικής. Από τότε ένιωσε ότι έπρεπε να τον βρει — κάτι που του πήρε τέσσερα με πέντε χρόνια.

Τελικά, στα μέσα της δεκαετίας του ’70, οι δύο μουσικοί συναντήθηκαν. Ο Shrieve θυμάται ότι ήταν μια χρονιά με πάνω από 250 συναυλίες για τους Santana. Την τελευταία μέρα της περιοδείας, έμαθε ότι ο Yamashta έμενε στο ίδιο ξενοδοχείο στη Ρώμη. Έκλεισαν συνάντηση. Ο Shrieve ήθελε να κάνει μαζί του ένα avant‑garde percussion project. Ο Yamashta όμως είχε ήδη στο μυαλό του κάτι μεγαλύτερο: ένα υβρίδιο pop, rock, jazz, fusion και ηλεκτρονικής μουσικής — και είχε ήδη προσεγγίσει τον Steve Winwood και τον Klaus Schulze.

Steve Winwood

Ο Winwood είχε φύγει από τους Traffic περίπου την ίδια περίοδο που ο Shrieve έφυγε από τους Santana. Μετά από μια σοβαρή περιτονίτιδα, η ζωή στον δρόμο έγινε αδύνατη για εκείνον. Σε συνέντευξή του στο Rolling Stone το 1988 είπε ότι είχε κουραστεί από τον ασταμάτητο κύκλο «άλμπουμ–περιοδεία–άλμπουμ–περιοδεία» και ότι η ζωή με μια rock μπάντα δημιουργεί μια «μη πραγματική» καθημερινότητα.

Στα μέσα των 70s έκανε guest εμφανίσεις σε δίσκους άλλων καλλιτεχνών: Lou Reed, John Martyn, Jim Capaldi, Jade Warrior, Toots & the Maytals, Pierre Moerlen’s Gong. Μία από τις καλύτερες συμμετοχές του ήταν στο Rendezvous, το τελευταίο άλμπουμ της Sandy Denny.

Στο Go, ο Winwood έχει έναν ιδιαίτερο ρόλο: Δεν παίζει τόσο όργανα όσο τραγουδά, και η φωνή του γίνεται ένα από τα πιο δυνατά στοιχεία του project. Στο live άλμπουμ, το Crossing the Line είναι χαρακτηριστικό παράδειγμα της ερμηνευτικής του δύναμης.

Klaus Schulze

Στα μέσα της δεκαετίας του ’70, ο Schulze βρισκόταν σε μια από τις πιο δημιουργικές περιόδους του. Μετά τις πρώτες του συμμετοχές στους Tangerine Dream και Ash Ra Tempel, ξεκίνησε μια πλούσια solo καριέρα. Το 1975 κυκλοφόρησε το Timewind, φόρο τιμής στον Wagner, και απέκτησε το τεράστιο modular Moog που έγινε το βασικό του όργανο. Την ίδια χρονιά συνεργάστηκε με τους Far East Family Band, όπου γνώρισε τον Yamashta.

Στο στούντιο έφερε μια «στρατιά» από synths: Big Moog, ARP 2600, ARP Odyssey, EMS Synthi A, Farfisa Synthorchestra. Οι Βρετανοί τεχνικοί έμειναν άφωνοι από τους ήχους και τις δυνατότητες του sequencer — κάτι εντελώς νέο για την εποχή.

Al Di Meola

Ο Di Meola, τότε μόλις 21 ετών, βρισκόταν ανάμεσα στην τελευταία του δουλειά με τους Return to Forever και την αρχή της solo καριέρας του. Στις ηχογραφήσεις του Go πρόσφερε εξαιρετικά κιθαριστικά μέρη και solos. Το άρθρο αναφέρει και μια ιστορία όπου ο Schulze «ανέβασε» το sequencer τόσο γρήγορα ώστε ο Di Meola δεν μπορούσε να ακολουθήσει — μια μικρή σύγκρουση δύο εντελώς διαφορετικών μουσικών κόσμων.

Το λαμπρότερο σημείο του Di Meola στο Go είναι το Man of Leo, που από δίλεπτο κομμάτι στο στούντιο έγινε 14λεπτο live funk‑fusion έπος.

Οι υπόλοιποι μουσικοί, η παραγωγή, το live show και η συνέχεια του project

Πέρα από τους πέντε βασικούς μουσικούς, το project Go περιλάμβανε και μια σειρά από εξαιρετικούς συνεργάτες που αξίζουν αναφορά.

Στο στούντιο συμμετείχαν οι κιθαρίστες Chris West και Junior Marvin. Ο West αργότερα έγινε μέλος των Terra Nova (παρακλάδι των Manfred Mann’s Earth Band), ενώ ο Junior Marvin έγινε γνωστός ως ο βασικός κιθαρίστας των Bob Marley & The Wailers από το Exodus και μετά.

Ο μπασίστας Rosko Gee, γνωστός από τους Traffic και αργότερα τους Can, συμμετείχε επίσης στο project. Στο live άλμπουμ λάμπει ιδιαίτερα στο κομμάτι Wind Spin, μαζί με τον κρουστό Brother James.

Ο κιθαρίστας Pat Thrall είχε επίσης σημαντικό ρόλο. Παράλληλα με το Go, δούλευε με τον Michael Shrieve στο πρώτο άλμπουμ των Automatic Man. Στο live άλμπουμ, το μεγάλο κιθαριστικό solo στο Crossing the Line — που πολλοί νομίζουν ότι είναι του Di Meola — είναι στην πραγματικότητα του Thrall. Ο ίδιος θυμάται: «Ο Al έφυγε από τη σκηνή και μου έδωσε αυτό το solo… ήταν ένα από τα δύο που έπαιξα όλο το βράδυ, αλλά ήταν τιμή να βρίσκομαι με αυτούς τους μουσικούς».

Στο στούντιο συμμετείχε και το φωνητικό τρίο Thunder Thighs, γνωστό από το Walk on the Wild Side του Lou Reed.

Στο Go Live From Paris ακούγονται στο Time Is Here.

Η δομή του άλμπουμ και το “χαμένο” concept

Το πρώτο άλμπουμ των Go βασίζεται σε μια χαλαρή αφηγηματική ιδέα — ένα concept που υποτίθεται ότι ενώνει τα κομμάτια. Το άρθρο παραδέχεται ότι η ιστορία είναι ασαφής: κάτι σχετικό με τη δυαδικότητα ζωής–θανάτου, πραγματικότητας–φαντασίας, καλού–κακού. Ο Michael Quartermain έγραψε τους στίχους ως ποίηση, και ο Winwood τους προσαρμόσε για να ταιριάζουν στη φωνή του.

Το παράδοξο είναι ότι η αφήγηση ξεκινά από τη δεύτερη πλευρά του δίσκου και συνεχίζεται στην πρώτη. Στο live άλμπουμ η σειρά διορθώθηκε, και το Go Live From Paris ουσιαστικά παρουσιάζει το υλικό όπως «θα έπρεπε» να είχε οργανωθεί.

Η παραγωγή – μια ομάδα κορυφής

Η ποιότητα του ήχου του άλμπουμ οφείλεται σε τρεις μεγάλες μορφές:

Paul Buckmaster – Ενορχηστρώσεις

Ένας από τους σημαντικότερους ενορχηστρωτές της rock/pop. Δική του δουλειά είναι η ορχήστρα σε:

Space Oddity (David Bowie)
Your Song (Elton John)
Without You (Nilsson)
You’re So Vain (Carly Simon)

Οι ενορχηστρώσεις του στο Go είναι εντυπωσιακές, ειδικά στο άνοιγμα Solitude/Nature.

Dennis Mackay – Παραγωγός

Το 1976 ήταν εξαιρετικά παραγωγικός: Brand X, Curved Air, Gong, Mahavishnu Orchestra. Το Go ήταν ένα από τα πιο απαιτητικά project του.

Phil Brown – Ηχολήπτης

Ένας από τους σημαντικότερους μηχανικούς της Island Records. Έχει δουλέψει με Rolling Stones, Led Zeppelin, Bob Marley, John Martyn.

Στο άρθρο περιγράφει μια συγκλονιστική στιγμή: Κατά τη διάρκεια μιας ηχογράφησης, ενώ έπαιζαν εννέα μουσικοί ταυτόχρονα, προβάλλονταν στον τοίχο πλάνα της αποστολής Apollo. Το κομμάτι συνέχισε να εξελίσσεται, αλλά η ταινία τελείωνε — και ο Brown έπρεπε να σώσει την ηχογράφηση χωρίς να διακόψει τους μουσικούς. Το κατάφερε με τεχνική μαεστρία.

Το live show – ένα μουσικό θέαμα χωρίς προηγούμενο

Η ζωντανή παράσταση του Go ήταν κάτι σαν «τριπλό τσίρκο», όπως έγραψε το Melody Maker:

ορχήστρα χορευτές ακροβάτες kung‑fu performers προβολές NASA πολλαπλές οθόνες φωτισμοί
ηλεκτρονικά εφέ πλήρης rock/jazz μπάντα Klaus Schulze σε εισαγωγικό ambient set

Ήταν μια από τις πιο φιλόδοξες παραγωγές της δεκαετίας.

Go Too και το τέλος

Μετά το πρώτο άλμπουμ και το live, ο Winwood αποχώρησε για να ξεκινήσει τη solo καριέρα του. Το project συνέχισε με το Go Too, το οποίο — αν και όχι στο επίπεδο του πρώτου — περιέχει όμορφες στιγμές όπως:

Mysteries of Love
Beauty (με υπέροχο ακουστικό solo του Di Meola)

Μετά την αμερικανική περιοδεία, ο Yamashta ένιωσε εξαντλημένος και αποσύρθηκε προσωρινά από τη μουσική. Επέστρεψε χρόνια αργότερα με πιο ήρεμο ρυθμό, συνθέτοντας και soundtracks όπως το Tempest (1982).

βασισμένο σε πληροφορίες από το Music Aficionado